拍摄技巧-摄影的拍摄技巧

与其他舞蹈相比，现代舞具有三个明显的特征。

一、现代舞具有鲜明的个性。现代舞要表现的不是某一种民族或地域的共性，而是舞蹈家本身独特的艺术个性。舞蹈家在舞蹈中传达自己对生活的体验、思考，这种体验因每个人不同的文化背景和阅历，而更显得独特和新颖。

二、现代舞具有时代性。现代舞展示的不是对过去的沉湎，而是编舞家今时今日的感受和思考。现代舞的内涵和形式必定反映了具有时代意义的价值观和审美情趣。因此，现代舞蹈家就算在处理最陈旧的题材，譬如男欢女爱，生离死别等，也会自出抒机，展示新人类对旧事物的时代诠释。

三、现代舞具有原创性。现代舞展示的不是人云亦云的陈词滥调，而是独特的不与俗流的形态和意识，现代舞的主旨、形式结构、内容等等，都希望要与众不同，做别人所未做过的尝试，标新立异，表现出独树一帜的创意。

通过观察和分析，抽象的现代舞可以使观舞者发现舞蹈可以有广泛的联想及诠释空间，并令其想象力解放出来，进入创作性的思考领域。事实上，这正是现代舞让观众一方作主动回应的特别理念。

现代舞舞姿简炼，动作活跃、舒展、自由、奔放、热烈，内容看似单一，却是内涵丰富、寓意深刻、情感充沛。

以形体构成、光色调配、明暗对比、线条组合等手段，可以塑造出直观可见、可感的艺术形象。“用外在的东西把内在的东西表现出来。”通过“形”、“神”的和谐一体，反映某种意蕴。

为了拍出我对现代舞的感受和理解，我尝试过用多种方式进行拍摄。

用慢速后帘同步闪光是我最初的构想，但舞台表演禁止使用闪光灯，于是我又用了高速、慢速和多次曝光等方式来拍，结果是多次曝光最合我的心意。单次高速的，太静，象剧照，没有个性；慢速拍的，过虚，没有实点，不知所云；多次曝光（26次），可以实中带虚、虚中有实，动静结合、有动有静，实处可以清晰地抓住舞蹈动作精彩的瞬间动作；虚处可以拍出舞蹈运动时的虚幻轨迹。

但哪一段该动？哪一段该静？这，全凭摄影者自己对舞蹈的感悟和心灵的感应来决定按下快门的瞬间和希望达到的效果，完全是个人主观对现场舞蹈的再创作。我最初是用两次曝光拍的，第一次用高速（秒）凝住一个动作瞬间，第二次用慢速（秒）做出舞蹈运动的虚影，使之有动有静。

但后来觉得两次曝光，画面还是寡了一点，因为现代舞大都以独舞或双人舞表演为多，于是我就用了三次、四次，甚至五次至六次曝光来拍摄；由于我拍现代舞都是在剧院拍的，固定坐位，不能随意走动，所以画面角度基本一样，但为了使到一组组照在画面上看起来有所变化，我除了注意有动静结合的，有静静结合的，还注意中景和特写结合，力求使到作品画面更加丰富、饱满、耐看。

现代舞舞蹈动作的即兴性和力度感很强，随时都有令你意想不到的精彩，因此，拍现代舞是件十分紧张、刺激的活儿。特别是用多次曝光的方法拍，一边是要盯紧台上的表演，别错过了精彩的瞬间；一边是要盘算着这次是用三次曝光还是多几次为好，是先快（门）后慢（门）呢，还是先慢（门）后快（门）……虽是置身于冷气剧场，但一场演出下来，还是拍得满头大汗。

我拍现代舞，开始也用负片，但色彩、效果都不理想，于是全部改用反转片拍。用反转片拍不仅色彩更艳丽，连暗部细节都能反映出来，达到较好的图像效果。

从98年开始，基本上一有现代舞、现代芭蕾舞、爵士芭蕾舞、国内的、国外的演出，我都争取到现场拍摄。

“摄影是一门遗憾的艺术”。尤其是拍现代舞，由于不可预知的因素太多，动静处理的效果并不能事前确定：该动的是否动的到位，要实处是否抓住了动作的精髓，都无法做到保证。因此，拍摄现代舞的作品成功率很低（尤其是拍反转片，曝光量控制更严格，有时拍到的画面不错，但多曝了一次，过量了，也就报废了，十分可惜），必须多拍才有好片出，而且这张片子是唯一的，不可重复的。

虽然现代舞表演在舞台上的动作是一样的，但每个人对舞蹈的感受和抓取的瞬间、处理方式都不相同，即使是同一个人两次去拍同样的动作场面，得出的照片也都不能相同。因此，虽然现在拍现代舞的影友越来越多，却绝无相同的。

通过借助现代舞这个载体，拍出我内心深处同样飘荡着的一种空灵又飘逸、自由又迷茫的感觉，在给人带来形式感强的抽象美之时还能带给人以沉思与想象，并且强调个人主观感受，这就是我喜欢上拍现代舞的原因所在。

我力求拍下来的不仅是眼见的东西，而且还有想到的东西。”前苏联摄影家加兰宁说的话，也正是我的追求。

先学明白四件事：测光、光圈、快门、ISO。然后就可以手动拍摄了。

在进行拍摄时，调节相机镜头，使距离相机一定距离的景物清晰成像的过程，叫做对焦，那个景物所在的点，称为对焦点，因为"清晰"并不是一种绝对的概念，所以，对焦点前（靠近相机）、后一定距离内的景物的成像都可以是清晰的，这个前后范围的总和，就叫做景深，意思是只要在这个范围之内的景物，都能清楚地拍摄到。景深的大小，首先与镜头焦距有关，焦距长的镜头，景深小，焦距短的镜头景深大。

其次，景深与光圈有关，光圈越小（数值越大，例如f16的光圈比f11的光圈小），景深就越大；光圈越大（数值越小，例如f28的光圈大于f56）景深就越小。其次，前景深小于后后景深，也就是说，精确对焦之后，对焦点前面只有很短一点距离内的景物能清晰成像，而对焦点后面很长一段距离内的景物，都是清晰的。

光圈的功能就如同我们人类眼睛的虹蟆，主要用来调整数码相机的进光量，一般以f2、F2、1：2来表示，举例来说：f2表示光圈的大小为镜头直径的12，而f8则表示光圈为镜头直径的18而已，所以较小的f值表示较大的光圈，一般镜头上的标示会以数码相机的最大光圈值表示，变焦镜头若有显示2个f值，则表示此相机最大及最小的光圈。光圈除了可控制光线的明暗外，对于图像的景深也是会有影响。

景深是影响拍摄主体与背景之间清晰程度的关键，也可以说是图像的锐利度，大光圈时拍摄出来的图像锐利度较小，小光圈拍摄则较大。从数码上而言，光圈数值越小表示光圈越大，也代表透光的孔径大、透光量大，不论要拍摄快速移动的物体或在昏暗的空间拍摄，都很方便。而且光圈也决定了画面的景深锐利度，如果是设定为大光圈，那么画面中除了主题清晰，其它景物都会呈现模糊、柔美的感觉。时下多数数码相机的光圈值最大都在28左右。

所谓的感光度，实际上就是衡量相机感光能力高低的一个参数。数码单反的成像原理是光线通过镜头照射到CCD或者表面上，然后CCD或者将光信号转变为电信号，然后经过后期处理，形成一张数字化的照片，数码单反的感光度，就体现在这个信号放大的过程中。感光度高，相机的感光能力就越强，反之亦然。

如果在拍摄时，光圈不够大，或者是曝光时间不够，CCD没有积累足够多的光信号，转变的电信号的信号就达不到足够的强度，这样的结果就是曝光不足。如何解决这样的问题？除了调节光圈和快门，我们还有一个办法，就是将信号的放大倍数提高。感光度越低，电信号后期放大的倍数越小；感光度越高，电信号后期放大的倍数越大。

可能你会说，那我还追求什么大光圈啊，在微弱光线下也不用使用慢速快门了，我直接把感光度调高不就万事大吉了？事情当然没有这么简单。CCD和生成的电信号不仅仅只有图像信号，还包含自己产生的噪声信号，反映到图像上，就是我们通常所说的噪点，表现为图像阴影区域的杂色和颗粒等，相机后期放大电信号时，噪声信号会被无可避免被同时放大。

使用高感光度，将会不可避免地造成成像质量的下降，例如更多的噪点，更差的细节、更低的动态范围等等。使用低感光度，CCD和生成的电信号就有足够的强度，噪声信号能够被控制在一个很低的水平，成像自然就会好很多。在光圈和快门不变的情况下，感光度与曝光量成正比。感光度越高，相机的曝光量就越高只有在感光度不变的情况下，相机的曝光量才由光圈和快门来决定。

感光度的表示方法通常用ISO数字来表示，意思是其感光能力与多少度的胶片相当。例如，ISO100的感光度表示此时相机的感光能力相当于100度的胶片。ISO200则表现此时相机的感光能力相当于200度的胶片，以此类推。数码单反相机都设定了多种感光度可供选择。一般而言，最低的感光度为ISO50、ISO100，最高可以达到、甚至是。

     平常使用时可以遵循这样一个原则：在保证拍摄稳定的同时，尽量使用低感光度。 另外，我这里有一些单反电子版教程，留个邮箱我发给你。

光线问题是室内拍摄食物的大问题，很多室内餐馆的灯光并不明亮，而且色调偏黄，会让整个照片噪点过高、曝光不足或者白平衡偏离，拍出来的食物完全不像肉眼看起来那么色泽诱人。

阴影也是室内拍摄食物的大敌，往往将相机或手机靠近的时候，自己的影子也映到了食物上。专业摄影师可以利用反光板或人造光源解决这一问题。而我们在日常拍摄的时候，最好的办法就是调整多种拍摄角度。

小技巧：

1尽量靠近自然光或较亮处就坐。

2调整相机的白平衡设置，可以用白色餐纸做调校工具，将餐纸在取景器里的颜色调至最接近白色。

3利用拍照APP的各种滤镜，创造不一样的效果。