夏凡纳-象征主义画派

夏凡纳钢琴是法国的。

在位于图卢兹的夏凡纳钢琴工厂里，关键部位全部由经验丰富的钢琴技师手工制作。骨架、音板、联动装置、铸铁框架等全部由夏凡纳家族自主设计和制造。“我们在这里完成从原木到主要配件的所有工序，仅有部分配件来自外部。”文森特﹒夏凡纳在接受法国国家电视台采访时如是说，“这是一件从‘A’到‘Z’的工作。

”只有最好的木材才能拿来制造夏凡纳钢琴：来自意大利的音板被加工成不等厚形状；来自巴伐利亚的上好板材，被用作夏凡纳钢琴的弦码，它能以最小的损耗，高度还原和传导琴弦震动产生的声音，这也是一台钢琴的灵魂所在；甚至连铸铁框架也在夏凡纳工厂制造，它的重量有87KG那样重，这样才能承受琴弦高达17吨的张力。

我个人比较喜欢克利姆特的作品。

他的《莎乐美》中的人物，就像一的荡妇。

而他的《吻》中，男主人公和女主人公则像一阴一阳的两极，紧紧契合在一起。

还有一幅，我忘了叫什么。画中的三个年龄段的女人，则象征了人的一生，由稚嫩，到年轻、充满活力，再到年老色衰。

高更、蒙奇、亨克尔、诺尔德，晚期的德国艺术家因曼霍夫、潘克、巴塞里兹、波尔科和意大利人克莱门特、奇亚、帕拉蒂诺、梅茨和库奇等人的代表作品都是象征主义的大师。

雷东，奥迪伦

法国杰出的象征主义画家。从年直到他50岁的时候，他一直只用黑白两种颜色作画，他的木炭素描和平板画发展了一种非常独特的风格，画面带有强烈的梦幻色彩，人体或者人体的某一部分被和植物，动物或者诸如此类的东西揉合在一起。

年之后，雷东开始转向油画创作，并展现出了他善用色彩的一面。

雷东的作品在当时的法国艺坛独树一帜，那个时候是印象主义全盛时期。印象派追求的是光色效果和一种纯粹的对客观的描绘。但是雷东很显然更加关心自己的内心世界，这和以后的现代主义运动不谋而合。

象征主义

在欧洲绘画史上，19世纪下半叶的一个重要特色是，诗歌向着绘画靠拢，绘画向着诗歌飞跃。象征主义就是这一特色的代表。法国象征主义诗人卡恩在年的一篇文章中深刻地阐述了它的特性"我们艺术的根本目的是使主观事物客观化理念的外化，而不是使客观事物主观化通过有个性的眼睛看到的自然。"通常人们有一种错觉，认为19世纪下半期艺术的主流是印象主义绘画，把印象主义画家视为现代主义的先驱。

虽然印象主义绘画与象征主义绘画差不多同时出现，但前者是"模仿自然"的绘画传统的最后阶段，而后者的主要特征则表明它属于印象主义之后的发展，它的出现标志着欧洲艺术从传统主义向现代主义过渡的起点。象征主义对绘画的影响，无论在持续时间的长度和波及地域的广度上，都超过了印象主义。象征主义的革命意义在于它产生了一种新的更接近现代的艺术哲学。评论家奥里埃在一篇评论高更的文章中概括了象征主义的艺术哲学。

他指出，艺术作品"第一，是观念形态的，因为它唯一的理想是理念的表现第二，是象征主义的，因为它用各种形式表达这种理念第三，是综合主义的，因为它用一种普遍理解的方法表现这些形式和符号第四，是主观的，因为客体不再被认为是一个客体，而是被认为是主体所领悟的思想的符号第五，因而是装饰性的，因为严格地说，正如埃及人，或许更如希腊人和文艺复兴早期的人所理解的那样，装饰画只不过同时是一种主观的、综合的、象征的和观念形态的艺术表现形式而已。

"由此亦可见出，综合主义与象征主义是相互渗透的。

象征主义绘画活跃于年至年之间，与19世纪80年代中叶法国文学，特别是诗坛的象征主义运动有密切关系。

象征主义绘画发于法国，被认为是象征主义主要代表的画家有夏凡纳、莫罗和雷东。

皮维·德·夏凡纳的艺术活动主要是给许多公共建筑作装饰壁画，因此他的油画也具有湿壁画的特点。他创造了一种淡色平涂、简练单纯、气氛恬静、节奏分明的装饰风格，描绘寓意性的情节和源自古代的题材，表现出学院派的特点。他的画面总是带有一种稍显粉气的色彩，无论是内体还是衣袍，泥土还是树叶，好像都是同一材料做成的，这种考古发现般非真实的处理方法，强调了画面理性的抽象和统一。正是这种特性吸引了当时许多青年画家。

夏凡纳在壁画中大多采用象征手法来传达对生活的寓意。如他为里昂艺术宫所作的《文艺女神们在圣杯中》就是一例。整幅画给人以一种梦幻的、充满诗意的意境。同他的其它作品一样，这幅画的和平宁静的气氛中也带有一丝忧郁，这是典型的世纪未情调。夏凡纳的作品还影响到高更、凡·高、修拉、德尼、毕加索等人的创作。就对画面统一性的关心而言，他是塞尚真正的先驱。

与夏凡纳分享殊荣的是居斯塔夫·莫罗，，他是象征主义绘画的中心人物，比夏凡纳更大胆地使用象征符号，而且不怕触及最怪诞的题材。他以描写神话和宗教题材的充满情欲的绘画著称，笔下的女性形象大多妖艳而邪恶，画中充满了异性的冲突、生与死的谜语、善与恶的寓意。他的创作揉合了意大利的古典艺术和异国情趣的东方艺术，这在很大程度上得益于文学，尤其是诗。他的作品也引起了文学家的。莫罗作的《在希律王面前跳舞的莎乐美》展于沙龙时，吸引了50多万名观众。这幅画有着宝石般的明亮色彩和梦幻般的神秘情调。

奥迪隆·雷东0被德尼比作"画坛的乌拉梅"。雷东在美学上主张发挥想象而不依靠视觉印象。19世纪70年代末他开始创作石版画，共创作了近200幅，总标题为《在梦中》。法国作家于斯曼称雷东的画是"病和狂的梦幻曲"。他献给诗人艾伦·波的组画可以说是视觉造型的诗篇，展现了诗人痛苦的内心世界，这也是一个没有光照、没有时间的黑夜王国。由于雷东差不多完全以单色作素描和版画，所以他后来的色彩画能达到非常简练的程度，甚至几乎没有真实的背景。

19世纪未，英国文学的唯美主义运动也对象征主义绘画产生了重要影响，这个运动的学说是，艺术只为本身之美而存在，也就是说，主张"为艺术而艺术"。唯美主义的哲学基础是康德的审美不涉及功利的学说。80年代后期，英国的唯美主义进入了最旺盛时期，其标志为王尔德的颓废主义小说《道林·格雷的肖像》和剧本《莎乐美》的出现，以及画家奥布里·比尔兹利为《莎乐美》作的插图的发表。唯美主义运动中最突出的美术家除了比尔兹利外，还有乔治·瓦茨和伯恩琼斯。法国画家图卢兹劳特累克也明显地受到英国唯美主义的影响。

法国和英国的象征主义美术成就最突出，但在欧洲其它各国也涌现出一些著名的团体和杰出的画家，他们对象征主义绘画作出了重要的贡献。例如，比利时的二十大团，巴黎的玫瑰十字，德奥的分离派等等。杰出的画家有比利时的费尔南·赫诺普夫，詹姆斯·思索尔

，挪威的爱德华·蒙克，荷兰的扬·托岁普，德语国家的阿诺尔德·勃克林、古斯塔去·克利姆特等等。他们的作品大多流露出一种忧郁、颓废、苦闷、孤独、彷徨的情绪，这就是所谓的世纪末情调。

概而言之，象征主义的哲学基础是神秘主义，信仰那种理想的彼岸世界。对象征主义来说，重要的是反映个人的主观感觉，使个人从现实中超脱出来，把他引向虚无飘渺的"理念"世界。所以在象征主义作品中所能感受到的只是形象的抽象性和不稳定性，是那种强烈的主观色彩和含义的朦陇晦涩。

象征主义

是19世纪末产生于法国的文学艺术运动，在巴黎的知识界影响很大，并对20世纪美学的发展，起了一定的推动作用。该运动主要在法国，欧洲的其它文化中心也有一些追随者，如德国，比利时等。象征主义是描述艺术中的创造气氛的术语。产生象征派的因素很多，主要有印象派画家的视觉，库尔贝朴实的写实主义（“绘画是由可见物所组成的有形语言”），文学上浪漫主义趋势的上升和哥特建筑的复兴等。

通常，象征派画家对科学和智力思索感兴趣，强调脑的职能，强调想象力和精神。在创作上，这就意味着既要表现自然，又要以想象力来处理自然。毕竟，这首先是一场文学运动，因此对象征派画家来说，有形世界是真实的，脑和精神同样也是真实的，而有形世界新的方面，正是通过后者来表现的。

对于莫罗，这意味着对神话和宗教的新探索。他的视觉观念，正是从这一探索中获得了奇异和模糊的形象。对雷东这位超现实主义先锋来说，则意味着对梦境和想象的探求，其作品浓厚的诗意，散发出永恒的魅力。影响最大的当推高更，虽说他并不完全是一个象征派画家，但在19世纪80年代后期，他的作品常常带有象征主义色彩。

后来，象征派的思想，逐渐对整个欧洲的作家和艺术家产生了影响，并随着一些完全不同的艺术家的加入，增加了活力。

象征派

20、30年代新诗创作中的一个流派。源出于19世纪末叶法国兴起的象征主义。年发表诗集《恶之花》的诗人波特莱尔被认为是象征派文学的先驱。年让·莫雷亚斯在巴黎《费加罗报》上发表《象征主义宣言》，第一次提出“象征主义”的名称。它的代表人物还有兰波、魏尔兰、马拉梅等人。象征派艺术的哲学基础是主观唯心主义。

在题材上它表现了世纪末一部分知识分子的颓废的思想感情和对于病态的“心灵与官能的狂热”的追求；在艺术方法上，它发展了神秘主义哲学家提出的“对应论”的观点，把自然万物视为可以向人们发出各种信息的“象征的森林”，强调通过暗示、烘托、对比、联想等手段来传达诗人内心的微妙世界。象征派在20世纪初传入欧洲其他国家，成为西方现代派文学的一个重要源头。

写实派：

写实绘画从表面看，是一个古典和传统的样式。从最早的西班牙岩画到十九世纪的法国学院派、印象派；从前苏联的绘画到中国社会主义时期的讲究题材的油画，都是写实的面貌。但是，一个绘画样式能够逾千年不衰，并不是仅靠传承或某一教学体系所决定的。现代科学研究证明，艺术是人的物质形态外化延伸的结果。

在人的大脑里面，一些区域对形、色彩、比例、平衡进行专门的感应、解析，这就是为什么人们在生活中对物质形态的判断标准基本相同。从写实绘画来看也是一样。比勃鲁盖尔、伦勃朗早数百年，在荒漠的欧洲大地并不知晓的东方，已经有马远、范宽、周昉、张暄这样的写实画家了。

尽管近代的东西方有了彼此间相互影响的诸多机会，也的确存在因为文化上的交流，产生过像后期印象派画家高更、凡高作品中的浮士绘痕迹；存在于中国油画家作品中追求塑造和色彩的欧洲绘画体系的结晶。但是，写实绘画在中国真正得以传承和发扬光大的原因，却来源于一个更大的渊源，那就是超越存在于我们作为人的基因特性，和艺术家对与生俱来的人性基因的认同。人性的超越存在是唯一可以解说出中国写实画家的兴趣和志向。

绘画在这个时候，已经不是简单的画画或者仅仅是技巧上的高标准追求，而是把生命的欢乐与痛苦都赌注在里面了。

在中国艺术历史上存在过不少志同道合者组成的艺术团体，但像中国写实画派这样一个由一群在当代中国有着巨大影响力的画家所组成的团体实数罕见。画派中如陈逸飞、艾轩、杨飞云、王沂东、何多苓等，自上个世纪八十年代以来一直作为公认度极高的中国油画的领军人物，他们的作品始终是美术界和公众的点。

中国写实画派的画家都是改革开放后成长起来的，其中大部分人成名于上个世纪八十年代。一个开放的环境不仅使他们感受到西方现代艺术的冲击，也使他们见到了作为现代艺术靶子的西方传统绘画。他们遵从内心的选择，不屑于被当代艺术排斥，努力完成心中的目标。终于在年5月，他们团聚在一起，决定以年展的方式，向大众展示他们注满心血和情感的作品。因为他们知道大众的需要。从某种意义上说大众性才最具当代性。一个社会不能只是少数人的社会；文化也不应该是少数人的文化；大众有权利接受他们真正喜欢的艺术

印象派：

印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派其代表人物有莫奈、马奈、卡米耶·毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及保罗·塞尚等。

他们继承了法国现实主义前辈画家库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖摆脱了讲述故事的传统绘画程式约束艺术家们走出画室深入原野和乡村、街头把对自然清新生动的感观放到了首位认真观察沐浴在光线中的自然景色寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法把变幻不居的光色效果记录在画布上留下瞬间的永恒图像。

这种取自于直接外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及其所呈现的种种风格不能不说是印象派绘画的创举和对绘画的革命。印象派美术运动的影响遍及各国获得了辉煌的成就。直到今天他们的作品仍然是人类最受欢迎的艺术珍宝。

在艺术观点上，印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义绘画，而是在C柯罗、巴比松画派和G库尔贝等人的写实画风的推动下，吸收荷兰、英国、西班牙、日本、中国等国家绘画的营养，同时受现代科学，尤其是光学的启发，认为一切色彩皆产生于光，于是他们依据光谱赤橙黄绿青蓝紫七色来调配颜色。由于光是瞬息万变的，他们认为只有捕捉瞬息间光的照耀才能揭示自然界的奥妙。

因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张到户外去，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。由此印象主义绘画在阴影的处理上，一反传统绘画的黑色而改用有亮度的青、紫等色。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。

具体的说，当我们从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察他们时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人光的感觉，达到异想不到的效果。